Arpe One est un artiste de street art originaire d’Aix-en-Provence, né en 1998. Il découvre le graffiti à l’adolescence et commence à peindre dans la rue avant de se consacrer pleinement à la peinture. Son travail associe graffiti, pochoir, peinture à la bombe et collages, avec des fonds très colorés et texturés. L’enfance occupe une place importante dans son univers artistique : il représente souvent des silhouettes d’enfants en noir et blanc, qui contrastent avec des arrière-plans urbains et colorés.

Aude Costa est une artiste française dont la pratique explore les liens entre la matière, la mémoire et le paysage sensible. Son travail interroge les notions de transformation, de trace et de présence, dans un dialogue constant entre le visible et l’invisible. Qu’il s’agisse de peinture, de dessin ou d’œuvres sur papier, chaque création témoigne d’une recherche sensible, nourrie par l’observation du vivant et par une attention particulière aux rythmes de la nature. Son univers, à la fois poétique et épuré, invite le spectateur à ralentir, à observer et à renouer avec une perception plus intime du monde.

Bernard Buffet (1928–1999) est un célèbre peintre français du XXᵉ siècle. Né à Paris, il étudie aux Beaux-Arts et connaît rapidement le succès après la Seconde Guerre mondiale. Son style, très reconnaissable, se caractérise par des lignes noires marquées, des personnages allongés et des couleurs souvent sobres. Il peint des portraits, paysages, natures mortes, scènes religieuses et sujets inspirés de la littérature.

Betty K est une artiste peintre formée aux Beaux-Arts de Paris, à l’Art League de New York et à la Woodstock School of Art. Son travail s’inspire de nombreux univers et cherche souvent à raconter des histoires à travers ses peintures. Son univers artistique est coloré, joyeux et parfois surréaliste. Elle mélange différentes inspirations pour créer des œuvres originales, souvent peuplées de personnages et de situations imaginaires. Depuis peu, elle utilise également l’intelligence artificielle pour développer son imagination et explorer de nouvelles possibilités artistiques.

Denis De Francesco s'est très tôt passionné pour la photographie. Il a voyagé à travers le monde et collaboré avec de nombreux magazines au cours de sa carrière reconnue à l'international. Il a décidé de mettre fin à sa carrière de photographe en 2014 pour s'abandonner exclusivement à la création d'œuvres d'art contemporaines. Artiste autodidacte aux multiples facettes, il vous invite au cœur de son univers, reflétant un camaïeu de mises en scène étonnantes, retraçant avec sensibilité son parcours et sa quête de liberté.

Elisabeth Hahn (1924–2021) est une artiste peintre allemande née à Dortmund. Elle s’installe à Paris en 1953, où elle poursuit sa formation artistique aux Beaux-Arts auprès de Jean Souverbie et Edmond Heuzé. À partir des années 1960, elle participe à de nombreuses expositions en France et en Allemagne. Son œuvre se situe entre figuration et abstraction, avec une peinture expressive et très colorée. Elle représente notamment des paysages, des personnages, des nus, des scènes de marché et des natures mortes. Sa peinture se caractérise par des compositions dynamiques, des couleurs fortes et une volonté de privilégier l’expression plutôt que les détails.

Floriande Chérel, artiste et architecte, a étudié à l'École d'architecture de Marseille-Luminy ENSAM et à l'École supérieure des arts de Saint Luc à Liège, en Belgique. Son parcours académique a influencé sa passion pour les jeux d'espace et les liens entre le paysage et la perception de soi. Après avoir remporté le Grand Prix d'Architecture de l'Académie des Beaux-Arts en 1999, elle a fondé l'agence d'architecture Abaque. En 2006, elle a choisi de se consacrer pleinement à sa carrière artistique.

Gérard Schlosser (1931–2022) est un peintre français né à Lille. Figure majeure de la figuration narrative, il est connu pour ses peintures très réalistes représentant des fragments de corps, des scènes de la vie quotidienne et des moments intimes. À partir des années 1970, il utilise la photographie et le photomontage pour construire ses compositions. Ses œuvres, souvent inspirées du cinéma, racontent des histoires à travers des détails soigneusement choisis.

Gilles Grimon, né à Paris et formé aux Arts Décoratifs, a illustré pour la presse, la publicité et l'édition pendant vingt-cinq ans, travaillant pour de nombreux grands noms comme Le Nouvel Observateur, Marie-Claire et Hachette. Depuis 2005, il se consacre entièrement à la peinture et vit actuellement en Provence après des séjours à Londres et Milan.

Godda a commencé par écrire pour la jeunesse, mais a finalement trouvé son expression artistique dans la peinture, notamment après une expérience de peinture avec sa fille aînée. Actuellement, elle utilise à la fois la peinture acrylique et les pastels secs, privilégiant une approche intuitive qui lui offre une grande liberté et une spontanéité dans son processus artistique. Elle se laisse guider par les interactions des couleurs et l'inconnu qui émerge au fur et à mesure de son travail.

Hervé Di Rosa est un artiste français né en 1959 à Sète. Dès son enfance, il s’intéresse au dessin et à la bande dessinée. Il étudie ensuite aux Arts décoratifs à Paris et commence à vendre ses peintures en 1979. En 1981, il devient l’un des fondateurs de la Figuration Libre, un mouvement artistique inspiré par la bande dessinée, le rock et la culture populaire. Ses œuvres sont très colorées et présentent souvent des personnages, des monstres et des créatures imaginaires. Hervé Di Rosa voyage ensuite dans de nombreux pays et découvre différentes techniques artistiques auprès d’artisans. Il réalise ainsi de la peinture, de la sculpture, de la céramique, de la tapisserie et des estampes.

Isabeau Chirat tire son inspiration d'une enfance créative où elle a appris la couture de sa mère et la métallurgie de son père. Son art consiste à redonner vie à des objets négligés et à transformer des matériaux oubliés en œuvres d'art. Son travail explore les contrastes entre le plein et le vide, le précieux et le sans-valeur. Tout se passe dans l'ombre portée révélée par ses sculptures : ce n'est pas uniquement le fil de fer qui est le sujet de son travail, mais bien le vide qu'il révèle et organise.

Jacques Poncet est un peintre français né en 1921 à Lyon et mort en 2012. Il est considéré comme une figure importante de l’École lyonnaise. Au début de sa carrière, sa peinture est plutôt abstraite, avant de devenir progressivement figurative. Son travail est principalement inspiré par la nature, les paysages de Lyon, les arbres, la mer et les nus féminins. Ses peintures sont connues pour leurs couleurs vives, leur lumière et leur mouvement. À partir de la fin des années 1950, il est remarqué par le galeriste parisien Pierre Loeb et expose ensuite dans plusieurs galeries importantes.

James Dupres est un artiste et créateur multimédia seychellois dont la pratique rassemble plusieurs disciplines, notamment la photographie, la vidéo, le graphisme et la communication visuelle. Installé aux Seychelles, il a développé une activité professionnelle dans le domaine de la création multimédia et de la production audiovisuelle. Son travail est également marqué par son environnement et par les paysages naturels des Seychelles. Plusieurs de ses projets artistiques s’intéressent notamment à l’océan, à la biodiversité et à la protection de l’environnement. En 2021, il réalise par exemple une série d’œuvres consacrée à la protection de 30 % des eaux territoriales des Seychelles. Pour ce projet, il s’inspire de la richesse de la vie marine et utilise des formes et des couleurs évoquant l’univers sous-marin.

Jean-Michel Cordier est un artiste peintre contemporain dont le travail explore le dialogue entre les arts premiers, l'expressionnisme, l'art brut et les traditions picturales européennes. Issu d'une famille de peintres professionnels et marqué par son enfance au Burkina Faso, il développe une œuvre où le geste, la matière et les superpositions traduisent une réflexion sur l'identité, la mémoire et les échanges entre les cultures. Représenté par plusieurs galeries en France, ses œuvres figurent aujourd'hui dans des collections privées à l'international ainsi qu'au sein d'institutions.

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Né John Perello à New York, JonOne grandit entre Harlem et Washington Heights et découvre très jeune le graffiti dans les rues et le métro new-yorkais. Il commence sous le nom de Jon156 et participe en 1984 à la création du collectif 156 All Starz. Invité à Paris en 1987 par le graffeur français Bando, il s’installe progressivement dans la capitale française, où il poursuit son travail dans différents squats et notamment à l’Hôpital Éphémère. Son œuvre transpose l’énergie du graffiti sur la toile : superposition de signes, lettres, couleurs et gestes rapides créent des compositions proches de l’Action Painting et de l’expressionnisme abstrait.

Née près de Marseille en 1991, Laura réside depuis 7 ans aux Baux-de-Provence.Artiste peintre autodidacte depuis 2024, elle se passionne aussi pour la photographie en Nature et s’initie au vitrail et la sculpture. Anciennement maître d’hôtel, barmaid et pâtissière, ces douze années resteront des expériences passionnantes pour elle. “ J’ai eu la chance de découvrir la richesse de notre patrimoine gastronomique, formée par de grands chefs.” Mais en 2022, un déclic survient et elle ressent un besoin viscéral de s’exprimer. Elle trouve enfin sa démarche, et organise quelques expositions en 2023 qui lui ont confirmé ce besoin permanent de partager son univers. Elle décide en 2024 de quitter son travail pour vivre sa passion.

Liselotte Andersen, franco-danoise née en 1968, vit en Provence depuis 2002 après avoir vécu dans divers pays. Elle a travaillé à l'UNESCO sur des sujets liés à la diversité culturelle et à la préservation du patrimoine naturel, ce qui influence ses créations artistiques. Passionnée de sculpture depuis l'enfance, elle explore les interactions humaines au travers de ses œuvres en bronze, expérimentant les combinaisons infinies qu'offrent la terre, les alliages, les pigments et les couleurs, jouant avec le rythme des lignes épurées et la vibration des reliefs. Sa création est spontanée, un chemin formidable vers soi et vers l'autre.

Diplômée en architecture d'intérieur, Maïlo a élargi ses horizons artistiques grâce à la photographie. Ses voyages l'ont inspirée à créer un carnet visuel, et sa découverte du photomontage a libéré sa créativité. Elle est maintenant une photographe-créatrice, fusionnant le reportage photographique avec les arts visuels.

Photographe de formation, l'artiste utilise des techniques traditionnelles d'argentique et l'art de la couleur. Il considère que la photographie capte des instants éphémères dans le temps et privilégie la narration de la réalité. Il ajoute de l'imaginaire en colorisant des tirages à l'encre aquarelle et en utilisant des techniques de surimpression. Sa démarche artistique est une forme de documentaire poétique.

Mickael Helleux parcourt sa Bretagne natale avec poésie et humour, capturant la vie le long de l'eau, sous les arbres, ainsi que lors de ses voyages. Des photographies en noir et blanc, argentiques, signées, dans une variété de petits et grands formats. Il réalise les tirages et encadrements lui-même.

Photographe, Muriel Pénicaud développe une œuvre dans laquelle l’image devient un espace de récit, de mémoire et d’interprétation. Ses photographies ne cherchent pas simplement à documenter le réel : elles proposent plutôt des situations ouvertes, laissant au spectateur la liberté de construire sa propre histoire. Ses séries, notamment autour des oiseaux et de la lumière, témoignent d’un intérêt pour les instants suspendus et les phénomènes qui provoquent chez elle étonnement et émotion. La photographie et l’écriture occupent une place centrale dans sa démarche artistique. Son travail a notamment été présenté dans plusieurs expositions consacrées à la photographie contemporaine.

Myriam Louvel Paoli est une sculpteuse quelque peu inhabituelle : elle sculpte du fil. Tressant et modelant différents types de fils métalliques, parfois seuls, parfois autour d'objets, elle crée des œuvres empreintes de légèreté et de mouvement dans un style unique. S'immerger dans son œuvre invite à un vertige infini, insaisissable, suggéré par ses créations.

Nicole Brousse, sculptrice, crée des œuvres intemporelles fusionnant classique et moderne, tout en menant une quête intérieure pour mieux se connaître. Elle découvre que ses explorations artistiques et personnelles sont interconnectées, cherchant à retrouver l'essence de la vie à travers son art.

Pierre Ngo Tan est né à Saïgon, au Vietnam ; arrivé en France à l’âge de 18 ans, il vit et travaille en Provence, près d’Avignon. Son parcours artistique est jalonné d’expositions individuelles et collectives et de salons d’art contemporain. Sa peinture explore les frontières tenues entre le réel et l’imaginaire. Elle se déploie autour de paysages ou de vues urbaines, plongés dans des atmosphères souvent brumeuses qui nous entraînent dans un voyage vers l’ailleurs. Les contours flous, la fusion des formes et des couleurs, invitent à s’affranchir des certitudes du visible et à s’aventurer dans un univers poétique, nimbé de lumière et de mystère. Les paysages témoignent d’une abstraction sensible, silencieuse, méditative, ils laissent entrevoir une ouverture vers l’infini, vers l’immensité des possibles. La profondeur et la lumière, omniprésentes dans ses toiles, insufflent un sentiment de quiétude et d’intemporalité. Ses œuvres se nourrissent de son histoire personnelle, puisent dans les réminiscences du passé pour faire resurgir des images effacées, des souvenirs confus, des sensations fugaces.

Derrière le projet Post-Scriptum History se cache en fait un duo. Sonia Mathey et Philippe Lanson ont dans leur histoire, un troisième amour ; la photographie. Passionnés d’Histoire, d’Art et d’architecture, ils n’ont de cesse de dénicher de précieux décors. Tous deux issus d’un cursus tourné vers cette discipline, leur passion pour l’Art s’est portée vers l’exploration de lieux oubliés. C’est cette source d’inspiration qui les a amenés à la photographie. La conservation du patrimoine reste au cœur de leur approche artistique, notamment par leur volonté de vouloir figer dans le temps ces témoignages du passé qui, peut-être, demain ne seront plus.


Robert Combas est un artiste français né en 1957 à Lyon. Il passe son enfance et son adolescence à Sète, où il commence très jeune à dessiner. Il étudie ensuite aux Beaux-Arts de Sète puis de Montpellier. Dans les années 1980, il devient l’un des principaux représentants de la Figuration Libre, avec notamment Hervé Di Rosa, François Boisrond et Rémi Blanchard. Son art est influencé par la bande dessinée, le rock, les graffitis et la culture populaire. Ses peintures sont souvent très colorées, avec beaucoup de personnages, de textes et d’humour. En 1979, il crée avec Hervé Di Rosa la revue Bato, qui participe aux débuts de la Figuration Libre.

Sabine Badinier, passionnée par la sculpture depuis son jeune âge, a évolué de la céramique au bronze. Elle a également participé à la création d'un atelier de céramistes au Caire. Elle crée des œuvres à partir d'anciens jouets et objets, établissant son atelier et sa galerie dans le Lubéron après avoir vécu au Sénégal et à la Réunion.

Sue Park est une photographe sud-coréenne née en Corée du Sud. Elle commence à pratiquer la photographie dans les années 1980 et étudie à la Seoul National University, puis au New York Institute of Photography. Son travail est principalement inspiré par les paysages, la nature, la lumière et les formes. Ses photographies jouent beaucoup avec les lignes, les formes, les couleurs et les répétitions. Elle cherche à capturer des moments de beauté et à les rendre durables grâce à la photographie. Elle a exposé dans plusieurs pays, notamment en Corée du Sud, aux États-Unis, en France, en Italie et en Russie.

Véronique Barrillot voit et peint, en même temps, deux états superposés, tels que les décrit la physique quantique. La peinture de Véronique Barrillot n’existe que dans l’œil et le mouvement du regardeur. Son engagement est nécessaire pour parvenir à déchiffrer l’œuvre. Le concept clé de l’œuvre de Véronique Barrillot est la physique quantique appliquée à l’art. Elle l’a d’abord vécu comme une intuition et une exigence impérative, puis ce phénomène est devenu pour elle une évidence et sa façon unique de voir et de créer. Ses tableaux ont une double réalité, contre intuitive pour le spectateur et en rupture avec son regard habituel.