Arpe One est un artiste de street art originaire d’Aix-en-Provence, né en 1998. Il découvre le graffiti à l’adolescence et commence à peindre dans la rue avant de se consacrer pleinement à la peinture. Son travail associe graffiti, pochoir, peinture à la bombe et collages, avec des fonds très colorés et texturés. L’enfance occupe une place importante dans son univers artistique : il représente souvent des silhouettes d’enfants en noir et blanc, qui contrastent avec des arrière-plans urbains et colorés.

Aude Costa est une artiste française dont la pratique explore les liens entre la matière, la mémoire et le paysage sensible. Son travail interroge les notions de transformation, de trace et de présence, dans un dialogue constant entre le visible et l’invisible. Qu’il s’agisse de peinture, de dessin ou d’œuvres sur papier, chaque création témoigne d’une recherche sensible, nourrie par l’observation du vivant et par une attention particulière aux rythmes de la nature. Son univers, à la fois poétique et épuré, invite le spectateur à ralentir, à observer et à renouer avec une perception plus intime du monde.

Bernard Buffet (1928–1999) est un célèbre peintre français du XXᵉ siècle. Né à Paris, il étudie aux Beaux-Arts et connaît rapidement le succès après la Seconde Guerre mondiale. Son style, très reconnaissable, se caractérise par des lignes noires marquées, des personnages allongés et des couleurs souvent sobres. Il peint des portraits, paysages, natures mortes, scènes religieuses et sujets inspirés de la littérature.

Betty K est une artiste peintre formée aux Beaux-Arts de Paris, à l’Art League de New York et à la Woodstock School of Art. Son travail s’inspire de nombreux univers et cherche souvent à raconter des histoires à travers ses peintures. Son univers artistique est coloré, joyeux et parfois surréaliste. Elle mélange différentes inspirations pour créer des œuvres originales, souvent peuplées de personnages et de situations imaginaires. Depuis peu, elle utilise également l’intelligence artificielle pour développer son imagination et explorer de nouvelles possibilités artistiques.

Denis De Francesco developed a passion for photography very early on. He travelled the world and collaborated with numerous magazines throughout his internationally recognised career. He decided to end his career as a photographer in 2014 to devote himself exclusively to creating contemporary artworks. A self-taught, multifaceted artist, he invites you into the heart of his world, reflecting a range of striking compositions that sensitively retrace his journey and his quest for freedom.

Elisabeth Hahn (1924–2021) est une artiste peintre allemande née à Dortmund. Elle s’installe à Paris en 1953, où elle poursuit sa formation artistique aux Beaux-Arts auprès de Jean Souverbie et Edmond Heuzé. À partir des années 1960, elle participe à de nombreuses expositions en France et en Allemagne. Son œuvre se situe entre figuration et abstraction, avec une peinture expressive et très colorée. Elle représente notamment des paysages, des personnages, des nus, des scènes de marché et des natures mortes. Sa peinture se caractérise par des compositions dynamiques, des couleurs fortes et une volonté de privilégier l’expression plutôt que les détails.

Floriande Chérel, artist and architect, studied at the Marseille-Luminy School of Architecture (ENSAM) and at the Saint-Luc Higher School of Arts in Liège, Belgium. Her academic background shaped her passion for the interplay of space and the connections between landscape and self-perception. After winning the Grand Prix d'Architecture of the Académie des Beaux-Arts in 1999, she founded the architecture firm Abaque. In 2006, she chose to devote herself fully to her artistic career.

Gérard Schlosser (1931–2022) est un peintre français né à Lille. Figure majeure de la figuration narrative, il est connu pour ses peintures très réalistes représentant des fragments de corps, des scènes de la vie quotidienne et des moments intimes. À partir des années 1970, il utilise la photographie et le photomontage pour construire ses compositions. Ses œuvres, souvent inspirées du cinéma, racontent des histoires à travers des détails soigneusement choisis.

Gilles Grimon, born in Paris and trained in the Decorative Arts, worked as an illustrator for the press, advertising and publishing for twenty-five years, working with many prestigious names such as Le Nouvel Observateur, Marie-Claire and Hachette. Since 2005 he has devoted himself entirely to painting and currently lives in Provence after spells in London and Milan.

Godda began by writing for young audiences, but ultimately found her artistic expression in painting, particularly after a painting experience with her eldest daughter. She now works with both acrylic paint and soft pastels, favouring an intuitive approach that gives her great freedom and spontaneity in her creative process. She lets herself be guided by the interplay of colours and by the unknown that emerges as her work progresses.

Hervé Di Rosa est un artiste français né en 1959 à Sète. Dès son enfance, il s’intéresse au dessin et à la bande dessinée. Il étudie ensuite aux Arts décoratifs à Paris et commence à vendre ses peintures en 1979. En 1981, il devient l’un des fondateurs de la Figuration Libre, un mouvement artistique inspiré par la bande dessinée, le rock et la culture populaire. Ses œuvres sont très colorées et présentent souvent des personnages, des monstres et des créatures imaginaires. Hervé Di Rosa voyage ensuite dans de nombreux pays et découvre différentes techniques artistiques auprès d’artisans. Il réalise ainsi de la peinture, de la sculpture, de la céramique, de la tapisserie et des estampes.

Isabeau Chirat draws her inspiration from a creative childhood, in which she learned sewing from her mother and metalwork from her father. Her art consists of breathing new life into neglected objects and transforming forgotten materials into works of art. Her work explores the contrasts between fullness and emptiness, the precious and the worthless. Everything happens in the cast shadow revealed by her sculptures: it is not the wire itself that is the subject of her work, but rather the void it reveals and organises.

Jaana Myöhänen est née en Finlande qu’elle quitte peu après le sortir de l’adolescence pour s’établir en France où elle réside depuis. Ce n’est qu’après plusieurs détours qu’elle vient à son art, la taille directe qui dès qu’elle découvre lui fait dire « c’est ça » qu’elle a cherchée pendant plus de 10 ans. En effet, elle commence comme maquilleuse à l’opéra, où elle découvre et rehausse ces corps et ces visages qui jalonnent son œuvre. Corps et visages en équilibre, jaillissement et exaltation. Après un passage au théâtre comme décoratrice, elle se rapproche de la sculpture en travaillant la céramique et en s’initiant en parallèle au modelage, travail de la terre en vrai volume. René Coutelle qui sera son maître pendant plus de 2 ans, lui fait découvrir voici bientôt quinze ans la pierre et la taille directe et depuis elle n’a plus quitté cet art.

Jacques Poncet est un peintre français né en 1921 à Lyon et mort en 2012. Il est considéré comme une figure importante de l’École lyonnaise. Au début de sa carrière, sa peinture est plutôt abstraite, avant de devenir progressivement figurative. Son travail est principalement inspiré par la nature, les paysages de Lyon, les arbres, la mer et les nus féminins. Ses peintures sont connues pour leurs couleurs vives, leur lumière et leur mouvement. À partir de la fin des années 1950, il est remarqué par le galeriste parisien Pierre Loeb et expose ensuite dans plusieurs galeries importantes.

James Dupres est un artiste et créateur multimédia seychellois dont la pratique rassemble plusieurs disciplines, notamment la photographie, la vidéo, le graphisme et la communication visuelle. Installé aux Seychelles, il a développé une activité professionnelle dans le domaine de la création multimédia et de la production audiovisuelle. Son travail est également marqué par son environnement et par les paysages naturels des Seychelles. Plusieurs de ses projets artistiques s’intéressent notamment à l’océan, à la biodiversité et à la protection de l’environnement. En 2021, il réalise par exemple une série d’œuvres consacrée à la protection de 30 % des eaux territoriales des Seychelles. Pour ce projet, il s’inspire de la richesse de la vie marine et utilise des formes et des couleurs évoquant l’univers sous-marin.

Jean-Michel Cordier est un artiste peintre contemporain dont le travail explore le dialogue entre les arts premiers, l'expressionnisme, l'art brut et les traditions picturales européennes. Issu d'une famille de peintres professionnels et marqué par son enfance au Burkina Faso, il développe une œuvre où le geste, la matière et les superpositions traduisent une réflexion sur l'identité, la mémoire et les échanges entre les cultures. Représenté par plusieurs galeries en France, ses œuvres figurent aujourd'hui dans des collections privées à l'international ainsi qu'au sein d'institutions.

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Né John Perello à New York, JonOne grandit entre Harlem et Washington Heights et découvre très jeune le graffiti dans les rues et le métro new-yorkais. Il commence sous le nom de Jon156 et participe en 1984 à la création du collectif 156 All Starz. Invité à Paris en 1987 par le graffeur français Bando, il s’installe progressivement dans la capitale française, où il poursuit son travail dans différents squats et notamment à l’Hôpital Éphémère. Son œuvre transpose l’énergie du graffiti sur la toile : superposition de signes, lettres, couleurs et gestes rapides créent des compositions proches de l’Action Painting et de l’expressionnisme abstrait.

Née près de Marseille en 1991, Laura réside depuis 7 ans aux Baux-de-Provence.Artiste peintre autodidacte depuis 2024, elle se passionne aussi pour la photographie en Nature et s’initie au vitrail et la sculpture. Anciennement maître d’hôtel, barmaid et pâtissière, ces douze années resteront des expériences passionnantes pour elle. “ J’ai eu la chance de découvrir la richesse de notre patrimoine gastronomique, formée par de grands chefs.” Mais en 2022, un déclic survient et elle ressent un besoin viscéral de s’exprimer. Elle trouve enfin sa démarche, et organise quelques expositions en 2023 qui lui ont confirmé ce besoin permanent de partager son univers. Elle décide en 2024 de quitter son travail pour vivre sa passion.

Liselotte Andersen, a French-Danish artist born in 1968, has lived in Provence since 2002 after living in various countries. She worked at UNESCO on issues relating to cultural diversity and the preservation of natural heritage, which influences her artistic creations. Passionate about sculpture since childhood, she explores human interactions through her bronze works, experimenting with the infinite combinations offered by clay, alloys, pigments and colours, playing with the rhythm of clean lines and the vibration of relief. Her creative process is spontaneous, a wonderful path towards oneself and towards others.

A graduate in interior architecture, Maïlo broadened her artistic horizons through photography. Her travels inspired her to create a visual notebook, and her discovery of photomontage unleashed her creativity. She is now a photographer-creator, blending photojournalism with the visual arts.

Trained as a photographer, the artist uses traditional film techniques and the art of colour. He believes photography captures fleeting moments in time and favours the narration of reality. He adds an imaginative dimension by colourising prints with watercolour ink and using superimposition techniques. His artistic approach is a form of poetic documentary.

Après avoir quitté Paris, Marie-Laure GERARD-BECUWE, a construit son atelier dans le Vaucluse où elle vit en grande partie.
– Met de Penninghen (ESAG) en 1973
– Les ateliers sculpture des beaux arts de Paris
– Formation auprès de deux sculpteurs à Paris, Dominique Vial et Jonathan Hirschfeld.
Marie-Laure Gérard-Bécuwe travaille ses petits personnages en cire. Une fois devenus bronzes, ils prennent vie en liberté ou dans des structures en acier. Certains sont enfermés dans des cases mais pour mieux s’en sauver d’autres tombent pour mieux se relever. Entre contrainte et liberté, force et fragilité, équilibre et déséquilibre ; Ils tentent de défier la pesanteur de notre quotidien, de lui restituer un peu d’humour et de poésie. Ils sont à l’origine d’histoires dont on ne connaitra peut-être jamais la fin...

Mickael Helleux roams his native Brittany with poetry and humour, capturing life along the water, beneath the trees, and during his travels. Signed black-and-white film photographs, in a range of small and large formats. He produces the prints and framing himself.

Photographe, Muriel Pénicaud développe une œuvre dans laquelle l’image devient un espace de récit, de mémoire et d’interprétation. Ses photographies ne cherchent pas simplement à documenter le réel : elles proposent plutôt des situations ouvertes, laissant au spectateur la liberté de construire sa propre histoire. Ses séries, notamment autour des oiseaux et de la lumière, témoignent d’un intérêt pour les instants suspendus et les phénomènes qui provoquent chez elle étonnement et émotion. La photographie et l’écriture occupent une place centrale dans sa démarche artistique. Son travail a notamment été présenté dans plusieurs expositions consacrées à la photographie contemporaine.

Myriam Louvel Paoli is a somewhat unusual sculptor: she sculpts wire. Braiding and shaping different types of metal wire, sometimes on their own, sometimes around objects, she creates works imbued with lightness and movement in a unique style. Immersing oneself in her work invites an endless, elusive sense of vertigo, suggested by her creations.

Nicole Brousse, a sculptor, creates timeless works blending the classical and the modern, while pursuing an inner quest to know herself better. She discovers that her artistic and personal explorations are interconnected, seeking to recover the essence of life through her art.

Pierre Ngo Tan est né à Saïgon, au Vietnam ; arrivé en France à l’âge de 18 ans, il vit et travaille en Provence, près d’Avignon. Son parcours artistique est jalonné d’expositions individuelles et collectives et de salons d’art contemporain. Sa peinture explore les frontières tenues entre le réel et l’imaginaire. Elle se déploie autour de paysages ou de vues urbaines, plongés dans des atmosphères souvent brumeuses qui nous entraînent dans un voyage vers l’ailleurs. Les contours flous, la fusion des formes et des couleurs, invitent à s’affranchir des certitudes du visible et à s’aventurer dans un univers poétique, nimbé de lumière et de mystère. Les paysages témoignent d’une abstraction sensible, silencieuse, méditative, ils laissent entrevoir une ouverture vers l’infini, vers l’immensité des possibles. La profondeur et la lumière, omniprésentes dans ses toiles, insufflent un sentiment de quiétude et d’intemporalité. Ses œuvres se nourrissent de son histoire personnelle, puisent dans les réminiscences du passé pour faire resurgir des images effacées, des souvenirs confus, des sensations fugaces.

Derrière le projet Post-Scriptum History se cache en fait un duo. Sonia Mathey et Philippe Lanson ont dans leur histoire, un troisième amour ; la photographie. Passionnés d’Histoire, d’Art et d’architecture, ils n’ont de cesse de dénicher de précieux décors. Tous deux issus d’un cursus tourné vers cette discipline, leur passion pour l’Art s’est portée vers l’exploration de lieux oubliés. C’est cette source d’inspiration qui les a amenés à la photographie. La conservation du patrimoine reste au cœur de leur approche artistique, notamment par leur volonté de vouloir figer dans le temps ces témoignages du passé qui, peut-être, demain ne seront plus.


Robert Combas est un artiste français né en 1957 à Lyon. Il passe son enfance et son adolescence à Sète, où il commence très jeune à dessiner. Il étudie ensuite aux Beaux-Arts de Sète puis de Montpellier. Dans les années 1980, il devient l’un des principaux représentants de la Figuration Libre, avec notamment Hervé Di Rosa, François Boisrond et Rémi Blanchard. Son art est influencé par la bande dessinée, le rock, les graffitis et la culture populaire. Ses peintures sont souvent très colorées, avec beaucoup de personnages, de textes et d’humour. En 1979, il crée avec Hervé Di Rosa la revue Bato, qui participe aux débuts de la Figuration Libre.

Sabine Badinier, passionate about sculpture from a young age, moved from ceramics to bronze. She also took part in setting up a ceramicists' studio in Cairo. She creates works from old toys and objects, establishing her studio and gallery in the Luberon after living in Senegal and Réunion.

Sue Park est une photographe sud-coréenne née en Corée du Sud. Elle commence à pratiquer la photographie dans les années 1980 et étudie à la Seoul National University, puis au New York Institute of Photography. Son travail est principalement inspiré par les paysages, la nature, la lumière et les formes. Ses photographies jouent beaucoup avec les lignes, les formes, les couleurs et les répétitions. Elle cherche à capturer des moments de beauté et à les rendre durables grâce à la photographie. Elle a exposé dans plusieurs pays, notamment en Corée du Sud, aux États-Unis, en France, en Italie et en Russie.

Né à Paris en 1962, Christophe Streichenberger vit et travaille à Gordes, dans le Vaucluse. Il est confronté très tôt au dessin et à la peinture, aidé de ses deux grands-mères toutes deux artistes.

Son besoin de s'exprimer à son tour devient alors une véritable obsession. Encouragé par ses proches et par ses amis, il se lance pour sa première exposition à Gordes dans le Vaucluse où il vit aujourd'hui. Christophe Streichenberger expose régulièrement son travail dans quelques belles galeries parisiennes et provinciales.

Véronique Barrillot voit et peint, en même temps, deux états superposés, tels que les décrit la physique quantique. La peinture de Véronique Barrillot n’existe que dans l’œil et le mouvement du regardeur. Son engagement est nécessaire pour parvenir à déchiffrer l’œuvre. Le concept clé de l’œuvre de Véronique Barrillot est la physique quantique appliquée à l’art. Elle l’a d’abord vécu comme une intuition et une exigence impérative, puis ce phénomène est devenu pour elle une évidence et sa façon unique de voir et de créer. Ses tableaux ont une double réalité, contre intuitive pour le spectateur et en rupture avec son regard habituel.