À la rencontre du bois, du design et de la passion mécanique, l’Atelier Jouvin imagine des motos au caractère unique. À travers le travail du bois et une approche artisanale du design, chaque création explore l’équilibre entre matière, esthétique et lignes intemporelles. Une vision singulière de la moto, où savoir-faire et créativité donnent naissance à des pièces d’exception.

Aude Costa est une artiste française dont la pratique explore les liens entre la matière, la mémoire et le paysage sensible. Son travail interroge les notions de transformation, de trace et de présence, dans un dialogue constant entre le visible et l’invisible. Qu’il s’agisse de peinture, de dessin ou d’œuvres sur papier, chaque création témoigne d’une recherche sensible, nourrie par l’observation du vivant et par une attention particulière aux rythmes de la nature.

Depuis leur enfance, Bernard et Arnaud Bessoud développent une passion pour le dessin, la peinture et la sculpture. Leur parcours les conduit de la restauration de monuments historiques à la fonderie d’art, où ils approfondissent leur maîtrise du bronze. Leurs voyages en Afrique, au début des années 2000, nourrissent leur inspiration et donnent naissance au "Bestiaire", un ensemble de sculptures animalières en bronze réalisé à quatre mains. Leur travail, exposé en France et à l’international, célèbre la beauté et la force du monde sauvage.

Betty K est une artiste peintre formée aux Beaux-Arts de Paris, à l’Art League de New York et à la Woodstock School of Art. Son travail s’inspire de nombreux univers et cherche souvent à raconter des histoires à travers ses peintures. Son univers artistique est coloré, joyeux et parfois surréaliste. Elle mélange différentes inspirations pour créer des œuvres originales, souvent peuplées de personnages et de situations imaginaires. Depuis peu, elle utilise également l’intelligence artificielle pour développer son imagination et explorer de nouvelles possibilités artistiques.

Denis De Francesco s'est très tôt passionné pour la photographie. Il a voyagé à travers le monde et collaboré avec de nombreux magazines au cours de sa carrière reconnue à l'international. Il a décidé de mettre fin à sa carrière de photographe en 2014 pour s'abandonner exclusivement à la création d'œuvres d'art contemporaines. Artiste autodidacte aux multiples facettes, il vous invite au cœur de son univers, reflétant un camaïeu de mises en scène étonnantes, retraçant avec sensibilité son parcours et sa quête de liberté.

Étienne Viard est né en France en 1954. Il vit et travaille entre Paris et la Provence (Vaucluse). Le travail d’Étienne Viard s’inscrit résolument dans le mouvement minimaliste, dont il réduit le vocabulaire esthétique à un élément essentiel : la ligne. La ligne de Viard se fragmente, s’étire, s’arrondit, se déploie à l’horizontale ou se dresse à la verticale, défiant délicatement la gravité dans un fragile équilibre. Inspiré par les formes ondulantes des végétaux et des minéraux, Viard traduit ce mouvement organique dans ses sculptures, créant une tension énergétique à la fois perpétuelle et précaire. Étienne Viard est souvent décrit comme un « sculpteur de l’acier ». L’acier Corten qu’il utilise s’oxyde au contact de l’air, permettant ainsi à ses sculptures de rendre hommage aux formes qui les inspirent, tout en s’en affranchissant avec force et singularité.

Floriande Chérel, artiste et architecte, a étudié à l'École d'architecture de Marseille-Luminy ENSAM et à l'École supérieure des arts de Saint Luc à Liège, en Belgique. Son parcours académique a influencé sa passion pour les jeux d'espace et les liens entre le paysage et la perception de soi. Après avoir remporté le Grand Prix d'Architecture de l'Académie des Beaux-Arts en 1999, elle a fondé l'agence d'architecture Abaque. En 2006, elle a choisi de se consacrer pleinement à sa carrière artistique.

Gilles Grimon, né à Paris et formé aux Arts Décoratifs, a illustré pour la presse, la publicité et l'édition pendant vingt-cinq ans, travaillant pour de nombreux grands noms comme Le Nouvel Observateur, Marie-Claire et Hachette. Depuis 2005, il se consacre entièrement à la peinture et vit actuellement en Provence après des séjours à Londres et Milan.

Godda a commencé par écrire pour la jeunesse, mais a finalement trouvé son expression artistique dans la peinture, notamment après une expérience de peinture avec sa fille aînée. Actuellement, elle utilise à la fois la peinture acrylique et les pastels secs, privilégiant une approche intuitive qui lui offre une grande liberté et une spontanéité dans son processus artistique. Elle se laisse guider par les interactions des couleurs et l'inconnu qui émerge au fur et à mesure de son travail.

Isabeau Chirat tire son inspiration d'une enfance créative où elle a appris la couture de sa mère et la métallurgie de son père. Son art consiste à redonner vie à des objets négligés et à transformer des matériaux oubliés en œuvres d'art. Son travail explore les contrastes entre le plein et le vide, le précieux et le sans-valeur. Tout se passe dans l'ombre portée révélée par ses sculptures : ce n'est pas uniquement le fil de fer qui est le sujet de son travail, mais bien le vide qu'il révèle et organise.

Jaana Myöhänen est née en Finlande qu’elle quitte peu après le sortir de l’adolescence pour s’établir en France où elle réside depuis. Ce n’est qu’après plusieurs détours qu’elle vient à son art, la taille directe qui dès qu’elle découvre lui fait dire « c’est ça » qu’elle a cherchée pendant plus de 10 ans. En effet, elle commence comme maquilleuse à l’opéra, où elle découvre et rehausse ces corps et ces visages qui jalonnent son œuvre. Corps et visages en équilibre, jaillissement et exaltation. Après un passage au théâtre comme décoratrice, elle se rapproche de la sculpture en travaillant la céramique et en s’initiant en parallèle au modelage, travail de la terre en vrai volume. René Coutelle qui sera son maître pendant plus de 2 ans, lui fait découvrir voici bientôt quinze ans la pierre et la taille directe et depuis elle n’a plus quitté cet art.

Jean-Michel Cordier est un artiste peintre contemporain dont le travail explore le dialogue entre les arts premiers, l'expressionnisme, l'art brut et les traditions picturales européennes. Issu d'une famille de peintres professionnels et marqué par son enfance au Burkina Faso, il développe une œuvre où le geste, la matière et les superpositions traduisent une réflexion sur l'identité, la mémoire et les échanges entre les cultures. Représenté par plusieurs galeries en France, ses œuvres figurent aujourd'hui dans des collections privées à l'international ainsi qu'au sein d'institutions.

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Née près de Marseille en 1991, Laura réside depuis 7 ans aux Baux-de-Provence.Artiste peintre autodidacte depuis 2024, elle se passionne aussi pour la photographie en Nature et s’initie au vitrail et la sculpture. Anciennement maître d’hôtel, barmaid et pâtissière, ces douze années resteront des expériences passionnantes pour elle. “ J’ai eu la chance de découvrir la richesse de notre patrimoine gastronomique, formée par de grands chefs.” Mais en 2022, un déclic survient et elle ressent un besoin viscéral de s’exprimer. Elle trouve enfin sa démarche, et organise quelques expositions en 2023 qui lui ont confirmé ce besoin permanent de partager son univers. Elle décide en 2024 de quitter son travail pour vivre sa passion.

Né en 1962 à Noyon, Laurent Beaumont vit et sculpte à Aix-en-Provence. Formé à la taille de pierre et à la restauration du patrimoine, notamment à Paris et à Venise, il développe ensuite une pratique personnelle de la sculpture en taille directe. Fort de cet héritage de bâtisseur et d’une démarche autodidacte, il libère progressivement son geste des contraintes de la pierre pour donner forme à son imaginaire. Son travail, nourri par l’histoire de l’art, ses rencontres et ses recherches, affirme un langage sculptural profondément personnel.

Inspirée par la nature, la lumière et les paysages, la démarche artistique de Joe explore les liens sensibles entre le monde naturel et l’abstraction. À travers ses œuvres, les formes se libèrent, les couleurs se fondent et les contours s’estompent, laissant place à des paysages abstraits où l’atmosphère prime sur la représentation. La lumière occupe une place centrale dans son travail. Elle transforme les espaces, révèle des nuances et crée des profondeurs mouvantes, entre présence et disparition, matière et transparence.

Liselotte Andersen, franco-danoise née en 1968, vit en Provence depuis 2002 après avoir vécu dans divers pays. Elle a travaillé à l'UNESCO sur des sujets liés à la diversité culturelle et à la préservation du patrimoine naturel, ce qui influence ses créations artistiques. Passionnée de sculpture depuis l'enfance, elle explore les interactions humaines au travers de ses œuvres en bronze, expérimentant les combinaisons infinies qu'offrent la terre, les alliages, les pigments et les couleurs, jouant avec le rythme des lignes épurées.

Diplômée en architecture d'intérieur, Maïlo a élargi ses horizons artistiques grâce à la photographie. Ses voyages l'ont inspirée à créer un carnet visuel, et sa découverte du photomontage a libéré sa créativité. Elle est maintenant une photographe-créatrice, fusionnant le reportage photographique avec les arts visuels.

Marc Daniel est surtout connu pour ses sculptures abstraites au courbes douces qui transposent l’amour au travers de la matière. C’est l’observation des mécanismes de rencontres entre les individus qui le captive. Après une première approche picturale de ce thème, le travail de la matière: terre, plâtre et enfin bronze lui permet d’enrichir son approche de la complexité des phénomènes d’attraction entre les êtres humains. Sensible à l’art moderne au travers des oeuvres abstraites de Jean Arp ou d’Henry Moore, ses sculptures s’enrichissent de percées ou de zones de ruptures: elles s’efforcent de rechercher à la fois la simplicité et le dynamisme des équilibres.

Photographe de formation, l'artiste utilise des techniques traditionnelles d'argentique et l'art de la couleur. Il considère que la photographie capte des instants éphémères dans le temps et privilégie la narration de la réalité. Il ajoute de l'imaginaire en colorisant des tirages à l'encre aquarelle et en utilisant des techniques de surimpression. Sa démarche artistique est une forme de documentaire poétique.

Après avoir quitté Paris, Marie-Laure GERARD-BECUWE, a construit son atelier dans le Vaucluse où elle vit en grande partie.
– Met de Penninghen (ESAG) en 1973
– Les ateliers sculpture des beaux arts de Paris
– Formation auprès de deux sculpteurs à Paris, Dominique Vial et Jonathan Hirschfeld.
Marie-Laure Gérard-Bécuwe travaille ses petits personnages en cire. Une fois devenus bronzes, ils prennent vie en liberté ou dans des structures en acier. Certains sont enfermés dans des cases mais pour mieux s’en sauver d’autres tombent pour mieux se relever. Entre contrainte et liberté, force et fragilité, équilibre et déséquilibre ; Ils tentent de défier la pesanteur de notre quotidien, de lui restituer un peu d’humour et de poésie. Ils sont à l’origine d’histoires dont on ne connaitra peut-être jamais la fin...

Mickael Helleux parcourt sa Bretagne natale avec poésie et humour, capturant la vie le long de l'eau, sous les arbres, ainsi que lors de ses voyages. Des photographies en noir et blanc, argentiques, signées, dans une variété de petits et grands formats. Il réalise les tirages et encadrements lui-même.

Photographe, Muriel Pénicaud développe une œuvre dans laquelle l’image devient un espace de récit, de mémoire et d’interprétation. Ses photographies ne cherchent pas simplement à documenter le réel : elles proposent plutôt des situations ouvertes, laissant au spectateur la liberté de construire sa propre histoire. Ses séries, notamment autour des oiseaux et de la lumière, témoignent d’un intérêt pour les instants suspendus et les phénomènes qui provoquent chez elle étonnement et émotion. La photographie et l’écriture occupent une place centrale dans sa démarche artistique. Son travail a notamment été présenté dans plusieurs expositions consacrées à la photographie contemporaine.

Myriam Louvel Paoli est une sculpteuse quelque peu inhabituelle : elle sculpte du fil. Tressant et modelant différents types de fils métalliques, parfois seuls, parfois autour d'objets, elle crée des œuvres empreintes de légèreté et de mouvement dans un style unique. S'immerger dans son œuvre invite à un vertige infini, insaisissable, suggéré par ses créations.

Nicole Brousse, sculptrice, crée des œuvres intemporelles fusionnant classique et moderne, tout en menant une quête intérieure pour mieux se connaître. Elle découvre que ses explorations artistiques et personnelles sont interconnectées, cherchant à retrouver l'essence de la vie à travers son art.

Pierre Ngo Tan est né à Saïgon, au Vietnam ; arrivé en France à l’âge de 18 ans, il vit et travaille en Provence, près d’Avignon. Son parcours artistique est jalonné d’expositions individuelles et collectives et de salons d’art contemporain. Sa peinture explore les frontières tenues entre le réel et l’imaginaire. Elle se déploie autour de paysages ou de vues urbaines, plongés dans des atmosphères souvent brumeuses qui nous entraînent dans un voyage vers l’ailleurs. Les contours flous, la fusion des formes et des couleurs, invitent à s’affranchir des certitudes du visible et à s’aventurer dans un univers poétique, nimbé de lumière et de mystère. Les paysages témoignent d’une abstraction sensible, silencieuse, méditative, ils laissent entrevoir une ouverture vers l’infini, vers l’immensité des possibles. La profondeur et la lumière, omniprésentes dans ses toiles, insufflent un sentiment de quiétude et d’intemporalité. Ses œuvres se nourrissent de son histoire personnelle, puisent dans les réminiscences du passé pour faire resurgir des images effacées, des souvenirs confus, des sensations fugaces.

Derrière le projet Post-Scriptum History se cache en fait un duo. Sonia Mathey et Philippe Lanson ont dans leur histoire, un troisième amour ; la photographie. Passionnés d’Histoire, d’Art et d’architecture, ils n’ont de cesse de dénicher de précieux décors. Tous deux issus d’un cursus tourné vers cette discipline, leur passion pour l’Art s’est portée vers l’exploration de lieux oubliés. C’est cette source d’inspiration qui les a amenés à la photographie. La conservation du patrimoine reste au cœur de leur approche artistique, notamment par leur volonté de vouloir figer dans le temps ces témoignages du passé qui, peut-être, demain ne seront plus.


Sabine Badinier, passionnée par la sculpture depuis son jeune âge, a évolué de la céramique au bronze. Elle a également participé à la création d'un atelier de céramistes au Caire. Elle crée des œuvres à partir d'anciens jouets et objets, établissant son atelier et sa galerie dans le Lubéron après avoir vécu au Sénégal et à la Réunion.

Sue Park est une photographe sud-coréenne née en Corée du Sud. Elle commence à pratiquer la photographie dans les années 1980 et étudie à la Seoul National University, puis au New York Institute of Photography. Son travail est principalement inspiré par les paysages, la nature, la lumière et les formes. Ses photographies jouent beaucoup avec les lignes, les formes, les couleurs et les répétitions. Elle cherche à capturer des moments de beauté et à les rendre durables grâce à la photographie. Elle a exposé dans plusieurs pays, notamment en Corée du Sud, aux États-Unis, en France, en Italie et en Russie.

Tandem est un ensemble artistique composé de petites photographies sur lesquelles viennent se déposer de délicates interventions dessinées. Chaque image devient ainsi le support d’un dialogue entre photographie et dessin. Les interventions graphiques, fines et sensibles, viennent prolonger l’image photographique, en modifier la perception ou lui apporter une dimension nouvelle. L’ensemble forme une collection de petites œuvres singulières, où le réel photographié rencontre l’imaginaire du trait.

Né à Paris en 1962, Christophe Streichenberger vit et travaille à Gordes, dans le Vaucluse. Il est confronté très tôt au dessin et à la peinture, aidé de ses deux grands-mères toutes deux artistes.

Son besoin de s'exprimer à son tour devient alors une véritable obsession. Encouragé par ses proches et par ses amis, il se lance pour sa première exposition à Gordes dans le Vaucluse où il vit aujourd'hui. Christophe Streichenberger expose régulièrement son travail dans quelques belles galeries parisiennes et provinciales.

Véronique Barrillot voit et peint, en même temps, deux états superposés, tels que les décrit la physique quantique. La peinture de Véronique Barrillot n’existe que dans l’œil et le mouvement du regardeur. Son engagement est nécessaire pour parvenir à déchiffrer l’œuvre. Le concept clé de l’œuvre de Véronique Barrillot est la physique quantique appliquée à l’art. Elle l’a d’abord vécu comme une intuition et une exigence impérative, puis ce phénomène est devenu pour elle une évidence et sa façon unique de voir et de créer. Ses tableaux ont une double réalité, contre intuitive pour le spectateur et en rupture avec son regard habituel.